當我們走進書店，拿起一本封面設計特別的書；走在街上，被一張色彩鮮明的活動海報吸引，或是在社群媒體滑過某個讓人忍不住停下來的視覺作品，其實都正在與平面設計相遇。這些看似平凡的日常畫面，不只反映設計師的美感選擇，也悄悄記錄著一座城市的文化、語言，以及不同世代觀看世界的方式。
但如果換一個角度，讓日本與香港的設計師來觀看台北，他們眼中的台灣平面設計，又會是什麼模樣？
2025年於日本京都 ddd gallery 展出的《C-GRAPHIC/TAIPEI——2020年代台北平面設計展》，今年正式回到它所觀察的城市。展覽由香港平面設計師暨策展人毛灼然（Javin Mo），與現居大阪的設計師、策展人後藤哲也（Tetsuya Goto）共同策劃，並由 NOKE 忠泰樂生活、明日製作所攜手日本公益財團法人 DNP 文化振興財團合作，於2026年10月8日至11月9日在台北 NOKE 忠泰樂生活登場。
相較於京都首展的10組設計師，台北站進一步擴充至15組，從海報、書籍裝幀、品牌識別到影像創作，重新整理2020年代台北平面設計的樣貌。這不只是一場設計作品的集合，更像是一面鏡子，讓我們透過外地策展人的眼睛，重新認識那些原本就存在於生活周遭的台灣設計。
從日本京都開始，一場關於「台北平面設計」的觀察
《C-GRAPHIC/TAIPEI》的起點，其實不是一場展覽，而是一本試圖整理當代華語平面設計的出版品。
由後藤哲也主編的《C-GRAPHIC INDEX》，以漢字文化圈作為觀察起點，試圖從文字、圖像與視覺文化的交會之中，理解不同城市的平面設計發展。當這個研究計畫進一步轉化成展覽時，策展團隊選擇把焦點放在使用繁體中文的台北，並以1980至1990年代出生的設計師為主要觀察對象，探索他們如何在網路、全球化與台灣社會文化快速轉變的環境中，逐漸發展出屬於自己的設計語言。
這樣的選擇其實相當有意思。過去談到日本平面設計，我們很容易聯想到原研哉、佐藤卓、田中一光等具有代表性的設計師；但當視線轉向台灣，尤其是近十多年逐漸成熟的年輕世代，我們似乎很難用某一種風格概括他們的作品。有人從文字與編排出發，有人擅長鮮明色彩與實驗性圖像，也有人透過書籍、音樂、文化活動與公共議題，讓平面設計不再只是美化資訊，而成為參與社會的一種方式。
因此，展覽並沒有試圖替台北建立單一的視覺標準，而是透過不同設計師的作品與創作背景，讓觀眾看見一座城市如何同時容納多種美學。
日本策展人眼中的台灣設計：敢於碰撞，也不急著遵守規則
對後藤哲也而言，認識台灣平面設計的過程，可以追溯至聶永真、王志弘等設計師的作品。從漢字的重新詮釋、書籍與出版設計，到公共議題及大型文化活動的視覺識別，他注意到台灣設計師經常有機會直接參與社會與公共領域，讓個人工作室的創作語言，得以進入更大規模的文化現場。
這也是台灣平面設計相當特殊的發展環境。從音樂祭、藝術節、地方文化活動，到政府機關與公共政策的視覺溝通，平面設計早已不只服務商業品牌，而是經常出現在我們共同生活的公共空間裡。當一張海報、一套字體或一個主視覺成為城市活動的入口，設計師所做的便不只是傳遞資訊，也在某種程度上參與了大眾如何理解一件事情。
另一位策展人毛灼然，則從更加直覺的視覺感受切入。他觀察到台北新生代設計師的作品風格多元，不太受到既定形式拘束，因此展覽主視覺也刻意借用台灣廟宇、夜市與煙火等生活風景裡常見的強烈色彩，透過鮮明的碰撞與組合，表現台北設計不斷實驗的能量。
這個觀察讓人想到，台灣的視覺文化其實從來不只有簡約、留白與乾淨的美感。傳統廟宇裡層層堆疊的裝飾、夜市招牌密集交錯的字體、街道上各種色彩強烈的商業圖像，都是我們熟悉的生活風景。它們未必符合傳統設計教育裡的美感標準，卻擁有真實而鮮明的地方性；當年輕設計師開始重新理解這些元素，台灣的日常視覺也就成為可以不斷轉譯的創作資源。
從10組擴大至15組設計團隊，重新整理2020年代的台北設計風景
2025年的京都展覽原先集結10組設計師，這次移師台北後，參展陣容擴充至15組，展出內容涵蓋海報、出版品、品牌識別與影像等不同媒介。展覽不只是把原本在日本展出的作品帶回台灣，而是透過更完整的參展陣容，重新展開一場關於台北平面設計的討論。
值得注意的是，策展團隊並沒有單純以作品的視覺風格作為分類依據，而是試圖進一步理解設計師的生活經驗、學習背景與文化養成。因為一件設計作品的誕生，往往不只取決於設計師喜歡什麼顏色、使用什麼字體，也與他們成長的城市、接觸的文化，以及所處的社會環境有關。
這也讓《C-GRAPHIC/TAIPEI》與一般設計成果展有所不同。觀眾看見的不只是最後完成的作品，而是有機會從不同創作者的實踐之中，拼湊出一個世代的設計輪廓。尤其當設計逐漸跨越平面、影像、出版與藝術的界線，平面設計師所扮演的角色，也早已不再只是替文字與圖像安排位置的人，而是能夠透過視覺提出觀點、參與文化生產的創作者。
台灣設計的國際能見度：展覽集結多位AGI國際平面設計聯盟成員
除了作品本身，本次展覽也有一項值得設計愛好者注意的特色，就是策展與參展陣容中，匯聚了多位國際平面設計聯盟 AGI（Alliance Graphique Internationale）的成員。
AGI於1952年在巴黎成立，是國際平面設計領域具有代表性的專業組織之一。會員並非透過一般報名方式加入，而是需要經過現任會員推薦、審查與投票，因此也被視為國際設計社群對創作者長期實踐與專業成就的一種肯定。
這次展覽中，策展人毛灼然，以及參展設計師葉忠宜、HOUTH何婉君與洪彰聯，皆具有AGI會員身分。其中3位參展設計師為台灣會員，也讓觀眾能從這場展覽看見台灣設計與國際平面設計社群之間的連結。
不過，國際認可並不代表台灣設計需要朝向某一種全球通用的美學靠攏。相反地，這些創作者之所以值得被看見，往往正是因為他們能從自身的文化背景出發，發展出具有辨識度的視覺語言。當台灣設計師不再只是學習國際設計趨勢，而能帶著自己的作品進入國際對話，也意味著我們所熟悉的地方文化，正在成為世界設計風景的一部分。
不只看台灣設計，還能一次翻閱近40冊《gggBooks》世界設計典藏
對喜歡設計書籍、獨立出版與平面設計的人而言，這次展覽還有另一個值得特別留意的內容，就是日本公益財團法人DNP文化振興財團出版的《gggBooks》系列。
《gggBooks》全名為 World Graphic Design Series，是一套以世界各地重要平面設計師為主題的設計出版系列。相較於厚重的大型設計專書，這套出版品透過相對精巧的形式，整理不同設計師的代表作品，讓讀者能以閱讀一本書的方式，接近一位創作者長年累積的視覺語言。
系列至今已出版147輯，本次展覽特別選出近40冊於現場呈現，也是這套出版品首次在台灣進行如此規模的系統性展示。觀眾可以在欣賞台北設計師作品的同時，進一步透過這些出版品，認識日本與世界各地的平面設計發展。
對好好生活而言，這個安排尤其有意思。因為設計不一定只能透過展場裡的大型輸出與作品牆被理解，有時候，一本書的尺寸、紙張、編排與翻閱節奏，就足以讓人感受到一位設計師如何思考。當我們把書拿在手上，透過一頁頁的閱讀慢慢進入作品，也是在用另一種更貼近日常的方式接觸設計。
展覽現場也設置「設計小賣所」，精選參展設計師相關出版品與設計商品，讓觀眾在看完展覽之後，仍能把喜歡的創作帶回生活。
當台北成為被觀看的城市，我們也重新看見自己的日常
一場關於台北平面設計的展覽，先在日本京都登場，接著才回到台北，這樣的順序本身就很耐人尋味。
我們經常習慣從日本、歐洲或其他國際城市尋找設計靈感，關注那些具有成熟美學系統的品牌、書籍與展覽，卻可能因此忽略，自己每天生活的城市，也正在產生值得被研究、被收藏與被討論的視覺文化。
從街上的活動海報、書店裡的出版品，到音樂祭主視覺與公共文化活動，那些我們以為只是日常的一部分，其實都在記錄著這個時代的審美、語言與社會氛圍。多年以後，當有人想理解2020年代的台北，或許除了建築、影像與文字，也能從這些平面設計作品裡，讀出一座城市曾經如何思考、如何表達，以及如何想像自己。
《C-GRAPHIC/TAIPEI》真正值得期待的，或許不只是一次欣賞15組設計團隊作品的機會，而是提醒我們：設計不一定存在於遙遠的國際舞台，也不只屬於那些被反覆介紹的知名大師。
有時候，它就在我們每天經過的街道、翻閱的書本，以及那些早已習慣、卻很少認真看過的生活風景裡。
而當這些熟悉的畫面，終於被重新放進展覽裡觀看，我們也才有機會發現，原來台灣的日常，本身就已經是一種獨特的設計語言。
《C-GRAPHIC/TAIPEI》展覽資訊
展覽名稱｜C-GRAPHIC/TAIPEI——2020年代台北平面設計展
展覽日期｜2026年10月8日－11月9日
開放時間｜週日至週四11:00－21:30；週五、週六11:00－22:00
展覽地點｜NOKE忠泰樂生活 3F Uncanny
展覽地址｜台北市中山區樂群三路200號
交通方式｜捷運文湖線劍南路站
展覽票價｜NT$100，限Uncanny現場購票
策展人｜毛灼然（Javin Mo）、後藤哲也（Tetsuya Goto）
